Documents d'Artistes Nouvelle-Aquitaine

Sweet Home

Myrtille Bourgeois — 2023-10-04T13:05:21Z

Ils sont beaux. Aussi loin que je m'en souvienne, je les revois – beaux, tous deux – s'embrassant à pleines bouches goulûment ou lorsque l'élégante Isabelle est arrimée en hauteur contre un pilier d'un centre de tri postal en robe du soir, ou lors d'une traversée inaugurale d'un pont en décapotable, aristocratiques et présidentiables.
Ils sont beaux. Comme ce soir du 6 mai 2022 pour le vernissage de « The George Tremblay solo Show, exposition et performances », avec Isabelle, casaque rouge , hautement talonnée de souliers noir rayés de rouge et inversement et Serge, Heidi Slimanien en diable en costume deux pièces sombre sur chemise blanche. Ils manient la performance comme pas deux, réfutent par ailleurs l'emploi de cette dénomination ; appelons la chose alors, événement.
L'événement débute par un bonus secret, celui dont on ne doit pas dire l'essence, la chute, ni même mentionner l'existence. Disons juste que ça démarre bien, comme une mise en bouche drôlatique et bien vue.
Puis, les deux entrent en scène, musique. À leurs pieds, une façade de maison en kit, prête à monter. Ça tombe bien, elle sera hissée par un complice au cours de l'événement, révélant ainsi sa face cachée, toute en dorure puisque recouverte de couvertures de survie isolantes en Mylar.
Isabelle se place dans l'encadrement d'une fenêtre de la façade posée au sol, micro sur pied devant elle, elle y récitera le discours du 16 avril 1968 de Georges Pompidou à Cahors, alors premier ministre de la République française. Il y aborde les problèmes de l'agriculture dans le cadre de la construction européenne et les besoins en formation inhérents à la situation. Le duo se réapproprie la chose en remplaçant toutes les mentions évoquant l'agriculture en culture. L'agriculteur devient artiste, la France devient Bordeaux ; le discours reflète alors une situation délicate pour tout professionnel de la profession :

Et bien je voudrais que de cette réunion d'artistes particulièrement moderne et bien équipée ressorte une impression d'optimisme et de confiance dans l'avenir. Tout d'abord parce que contrairement à ce qu'on dit trop souvent, la création artistique n'est nullement condamnée par l'évolution. Ce qui est condamné par l'évolution c'est une certaine forme d'art, que j'appellerais si vous voulez, une création de survivance où les artistes vivaient en quelque sorte de l'amour de l'art et à l'écart de l'activité économique.

Au fur et à mesure de la progression du discours gouvernemental proto mai 1968, la maison se relève, la façade remonte, sous l'œil de Serge qui évalue, observe, dirige en silence les gestes du complice embusqué depuis les mezzanines. Isabelle fait un pas de côté pour ne pas entraver le levage de la façade dorée. Musique. Under the moonlight, this serious moonlight Let's Dance.
Billie Eillish, Bad Guy.
Et hop, pas de deux, ils sont beaux et ils dansent bien. Ensemble. Ces duettistes de l'art contemporain sont George Tremblay Show depuis 2002, mêlant la pratique de la danse de sal(o)on, à celle de la sculpture et à l'installation. Héritiers des attitudes dadaïstes, habités par l'esprit Fluxus, ils aboutent depuis maintenant vingt années d'âge tendre, la chose politique à diverses sources dont le cinématographe, la danse et la pure pratique artistique. Ce duo d'artistes, composé d'Isabelle Fourcade, architecte-scénographe-artiste et de Serge Provost artiste slash performeur manie l'absurde et le witz. Et hop, pas de côté, entrechat, pas glissé, pas chassé, le discours pompidolien s'achève avec une façade dorée presque bien relevée – la tekhné du presque, chère à Robert Filliou, est ici respectée avec talent, puisque l'adhérence entre façade et mur de chez Pola n'est pas parfaitement accomplie, et c'est voulu m'assurera-t'on, ... puis du champagne. Car tout doit finir avec des bulles. Une infanterie de ligne, portant vêture soignée et bouteilles vient clore l'événement et le discours, mais soupçonnant un mauvais coup (un sabrage de Champagne festif et surprise), le premier rang du public se meut et se recule. Or non, nous fûmes eus, point de sabrage mais plutôt, un artistique popage de bouchons au dessus de nos têtes pusillanimes.
Au milieu de la pétillance et de la musique, ils viennent enfin saluer leur public. Ils sont simplement beaux.
Je laisse le mot de la fin à Andy Warhol :
Je n'ai jamais voulu être peintre. Je voulais être danseur de claquettes.
Merci.

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C'est comme

Myrtille Bourgeois — 2013-11-14T16:12:20Z

. C'est comme... » {note}1

Laurent Kropf est né en 1982 à Lausanne, Suisse.

Il vit et travaille entre Lausanne et Bordeaux, France.

II. Suivez-moi-jeune-homme {note}2

Le Rameau d'or, librairie de l'Âge d'Homme.

Boulevard Georges Favon 17, Genève. L'artiste y puisera ses vieux pères. Faulkner et Nabokov pour l'insensé, l'amour extatique, la rigueur du morphème, l'hypotypose peut-être. Du génie de ceux qui fabriquent des images avec les mots achoppant avec celui de l'artiste qui crée des objets qui racontent des histoires ; ces récits complexes et élaborés où l'on avance comme à rebours pour mieux envisager l'avenir. Car

C'est le difficile qui est le chemin. {note}3

L'artiste déclare : j'ai toujours peur de trop de simplicité. En effet. Le bien-faire s'accomode ici du solidement-penser. Pensez tout à la fois beau et intelligent. L'artiste raisonne, prospecte, se gratte la tête, ingère puis métabolise ses sources, combine ses vieux pères et les accouple en des arrangements gracieux. Et subtils.

Totchic {note}4

Le diable se niche dans les détails. Ça tombe bien, l'artiste les affectionne et les soigne aux petits oignons. Ecole suisse oblige. On ne salope pas le travail, on respecte la matière, l'outil, l'artisan ; l'artiste est un garçon poli. On accorde de l'importance à la forme, l'enveloppe, l'image. Même la sienne, cf. appétence pour les beaux souliers. Ou les paires de santiags amputées de leur tige, trésor de guerre collectés à la source, far far west.

Far North {note}5

Aller jusqu'« Au nord du monde » et partir sur les routes, armé d'un pécule pour une stricte survivance. L'artiste a l'exigence de l'économie domestique, de celle où l'on épargne en bon père de famille, bouts de chandelle, bois de chauffage et confiture faite maison comme système monétaire alternatif à la bonne marche d'un monde universalisé.

L'art-en-tant-qu'art

Art-as-art-as-idea {note}6 . Son œuvre réfléchit le monde. Puisque l'artiste l'investit d'une dimension cosmique – micro / macro – ses vieux pères avalisant l'ancrage de sa pensée dans une historicité à construire. Cette généalogie toute fictionnelle s'acoquine avec un entrelacs tortueux de références culturelles affutées flirtant avec l'actualité et l'anecdote, prises main dans la main en flagrant délit d'union contre-nature. Le slogan - cri du clan - n'est jamais bien loin. Aka Turbulent times built great leaders {note}7. Le mythe ne s'effondre pas, il surnage toujours. L'artiste y croit, le transfigure, l'adoube, le parabolise ainsi.

Ou l'ardeur.

De l'amour, pour la route : Badlands, Terrence Malick – Les Chaussons rouges, Michael Powell & Emeric Pressburger – Les Harmonies Werkmeister, Belà Tarr – Werner Herzog – Ludwig Van Beethoven – Charlemagne Palestine – The Ex – Clément Rosset – Pierre Michon.

¹Dernière phrase de l'ouvrage de Vladimir Nabokov, Ada ou l'ardeur, 1969

²Pans d'un ruban de chapeau de femme qui flottent sur la nuque.

³« Ce n'est pas le chemin qui est difficile mais c'est le difficile qui est le chemin. », Søren Kirkegaard, in Crainte et tremblement, 1843.

⁴Expression germanique signifiant littéralement « chic à mort », soit définitivement sophistiqué.

⁵Titre original de l'ouvrage de l'auteur anglais Marcel Theroux, « Au nord du monde », paru en 2009.

⁶En référence à la série de photostats Art-as-art-as-idea, « l'art en tant qu'art en tant qu'idée » réalisés à partir de 1966 et appartenant aux Blow Up de l'artiste conceptuel Joseph Kosuth.

⁷Slogan publicitaire d'un symposium dans une école internationale de commerce réutilisé par Laurent Kropf pour le sous-titrage d'une de ses expositions à Genève en 2010.

44°50'54N/0°34'19W : Johann Milh, Public Domain

Myrtille Bourgeois — 2012-05-16T09:08:18Z

Jeune diplômé de l'Ecole des Beaux Arts de Bordeaux en 2007, Johann Milh présente, dans le cadre de la programmation 44°N, une série de peintures à l'huile au CAPC Musée d'art contemporain. Ces sept toiles ont pour décor une ville anonyme et archétypale, inscrite dans une modernité froide, déshumanisée. Chacun de ces paysages modernes implique, en son architecture anguleuse et autoritaire, un personnage exprimant sa colère ou son désarroi. Ces skateurs dépossédés de leur planche poussent des cris mutiques, s'affrontent à des contraintes urbaines dont ils expérimentent inlassablement les contours. Public Domain met à l'épreuve des corps en quête d'équilibre, obstinés dans leur opiniâtreté à surpasser l'échec et la douleur.

Kiss the real

Cette série illustre les interrogations d'un artiste ancré dans la contemporanéité, par le choix d'une thématique résolument urbaine et novatrice. Le skate est pour lui prétexte à explorer, mettre en image des êtres en butte à un territoire normatif et rationnel. Ces espaces sans vie, hormis les rares touches paysagères venant animer certaines toiles, sont les théâtres de combats sans fin. Le skateur privé de sa planche prothétique s'escrime ici à affronter le concrétisme d'un décor ordinaire afin de se l'approprier, non sans douleur. Cette immédiate modernité adopte pourtant des postures nettement plus classiques. Le parti pris technique est en cela essentiel : Johann Milh a choisi de peindre à l'huile, procédé à la charge traditionnelle voire académique requérant rigueur et virtuosité dans son emploi. L'exécution même des sept œuvres de la série tisse des liens subtils entre plusieurs courants picturaux où éléments figuratifs et abstraits s'interpénètrent. Certaines peintures mêlent des fonds à la facture radicale, à la touche proche de l'abstraction tout en ménageant une large place à des détails, des fonds ou des figures traités dans une veine réaliste.

La composition s'inspire de la sphère cinématographique par l'utilisation de son vocabulaire technique. Chaque œuvre est construite comme un photogramme, capture visuelle du climax d'une action ratée, le skateur échouant dans sa tentative de rentrer une figure. Le champ de l'image se subordonne aux angles de prises de vues et aux choix des types de plans (américain, moyen, d'ensemble). Plongée et contre-plongée, solarisation extrême évinçant les ombres des personnages, parti-pris d'un extérieur-nuit concourent à la mise en scène de sentiments exacerbés. Car ces peintures reflètent avant tout cet état d'accablement et de rage sourde qui pousse l'individu à excéder les limites du soi. Johann Milh peint des moments de ruptures, des espaces de tension dans des architectures aliénantes, spots à conquérir pour se les réapproprier et les épuiser, à l'instar d'un châssis vierge à exploiter sans contrainte, sans figure imposée.

Johann Milh a découvert la pratique artistique par le biais du skateboard. Sa jeunesse s'est déroulée en marge des villes, dans des zones périurbaines où skater était jugé subversif car marginal et destructeur. C'est dans la banlieue lyonnaise qu'il s'est formé auprès d'un ancien champion de France de Freestyle en s'entraînant inlassablement dans un hangar prévu à cet effet. Pour l'artiste, la part de subordination inhérente à un apprentissage académique ne correspond cependant en rien à la dimension de liberté et de sédition propre à l'univers du skate. Toutefois, cet attrait pour une discipline aux contours difficilement cernables (ni vraiment un sport, ni véritablement un loisir) s'est accompagnée d'un inextinguible désir d'images.Pour comprendre le skate, il faut envisager son contexte : sa bande originale, ses codes vestimentaires et langagiers et l'importance de la visualité. Tout skateur s'inscrit dans la praxis par une activité physique où le principe de perfectibilité est maître. Le mimétisme et la répétition infatigable d'un même geste permettent à l'aspirant d'intégrer une figure, de la rentrer. Ces expérimentations empiriques s'effectuent par émulation auprès des pairs mais aussi par la consultation de magazines et de vidéos visant à mettre en scène le « potentiel figure » d'un lieu ou d'un espace mais aussi les ratages, les chutes, l'échec propre à une démarche de dépassement de soi. Johann Milh découvre alors l'immanence de l'image, de ses principes compositionnels à son caractère empreint d'imaginaire. Déconstruire une figure de skate, en saisir la structure et les lignes de force poussent l'artiste à dessiner pour d'abord copier les images et enfin en produire d'inédites et de plus personnelles.

Myrtille Bourgeois

Public Domain, CAPC, 5 Février au 18 Avril 2010

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